Johanni Curtet, le souffle des steppes en partage

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Du 14 au 17 mai 2026, le Centre culturel de rencontre de l’abbaye de Sylvanès vous propose une expérience rare : un stage d’initiation au chant diphonique mongol.
Encadré par Johanni Curtet, musicien et ethnomusicologue reconnu, ce stage invite chanteurs amateurs et curieux à découvrir l’art du khöömii, une expérience aussi surprenante que profondément sensorielle… et accessible à tous. Johanni a accepté de nous en dire plus…

Le chant diphonique mongol intrigue autant qu’il fascine : comment décrirais-tu cette pratique à quelqu’un qui ne l’a jamais entendue ?
Pour moi, après 25 ans de pratique, je considère cette technique vocale comme un véritable art martial de la voix. Autant par l’exigence que l’on doit avoir avec soi-même, et ce que l’on appelle la « tradition » en tant que processus dans lequel on entre, comme une quête du son, pour vivre potentiellement au final une véritable initiation.

Tu es l’un des rares spécialistes de ce répertoire en Europe : comment as tu découvert le chant diphonique et la culture mongole ? 
Nous sommes très peu d’étrangers à savoir pratiquer le khöömii dans une perspective autochtone mongole en Occident. J’ai découvert d’abord cela à la télévision quand j’avais 13 ans, lors d’une démonstration de Trân Quang Hai, ethnomusicologue et spécialiste international du chant diphonique. Cette voix m’a complètement happé, et sans le savoir des années plus tard, après avoir découvert l’ethnomusicologie à l’université Rennes 2, j’ai eu la chance d’être encadré par cette personne « vue à la télé ». C’était pour moi l’ouverture d’une voie qui est devenue ma vie : la pratique et la transmission du khöömii, l’ethnomusicologie, puis la création de l’association Routes Nomades, avec qui je promeus cette musique, et la musique mongole plus largement, depuis 20 ans.
J’ai bien sûr rencontré plusieurs musiciens et maîtres de khöömii qui m’ont guidé dans leur univers, sans qui je ne serais pas le transmetteur que je suis devenu : les diphoneurs des ensembles Egschiglen et Altaï-Khangaï d’abord, puis D. Tserendavaa, B. Odsüren, N. Sengedorj, R. Davaajav, E. Toivgoo et B. Papizan… les principaux transmetteurs, qui m’ont beaucoup appris sur l’esprit de cette tradition diphonique.

On imagine souvent cette pratique du khöömi réservée à des spécialistes. Peut-on vraiment l’apprendre en quelques jours ?
Comme nous n’avons pas d’équivalent vocal dans notre culture ici, et que ces sons simultanés de bourdons, mélodies d’harmoniques et résonances réalisés par une seule personne nous semblent si étranges et impressionnants, nous pensons que nous partons de loin pour y arriver…
Même si la Mongolie est à presque 10.000km de chez nous, nous avons tous une voix et des oreilles. Il s’agit d’abord de se mettre dans la culture de l’autre, comprendre comment les Mongols écoutent et perçoivent leur musique, comprendre combien la relation et le dialogue entretenu avec les éléments environnants, comme la nature, sont fondamentaux, et sentir que l’on peut faire résonner tout cela en nous.
Avec un certain lâcher-prise sur ses habitudes, on découvre avec sa voix, son corps et son cœur à quel point ces sons qui nous paraissaient si étrangers peuvent être très proches, en nous. Il faut ensuite oser les sortir et redécouvrir les capacités de sa voix. C’est une histoire d’attention portée à sa voix, à soi-même.
Ainsi on peut se rendre disponible pour diphoner, moduler le son de sa voix à la recherches des résonances et des harmoniques.
Les participants doivent apprendre à leur rythme, et tout le monde peut l’apprendre. Cela va très vite pour certains, plus lentement pour d’autres, mais tout le monde sort de ce stage avec une compréhension des fondamentaux de la pratique et une compréhension globale qui permet de travailler seul chez soi pendant plusieurs mois.

Qu’est-ce que les participants à tes stages viennent chercher ? … et qu’est-ce qu’ils trouvent vraiment ?
Cela dépend, les profils sont très différents.
Il y a un public chanteur qui veut découvrir d’autres possibilités dans sa voix, tout en découvrant une autre culture.
Il y a celles et ceux qui veulent se frotter à la culture Mongole avant ou après un séjour sur place…
Il y a les curieux qui n’ont aucun a priori et qui veulent tenter l’aventure et enfin ceux qui ne sont pas chanteurs mais qui veulent explorer leur voix autrement, comme moi, à travers mon expérience personnelle.

Au final, ils trouvent là bien souvent un enrichissement personnel global : la découverte d’une culture, d’une façon de voir le monde, d’une manière d’écouter et d’être attentif à son environnement, se connecter à la nature comme les nomades le font. Souvent, leur voix gutturale enrichie d’harmoniques et de multiples résonances continue de vivre en eux bien après le temps de transmission. 

À Sylvanès, le cadre est très particulier. En quoi le lieu participe-t-il à l’expérience ?
Le khöömii vient de l’imitation des sons de la nature: le souffle du vent, les sons de l’eau qui coule, les échos dans les montagnes, les chants d’oiseaux, les animaux d’élevage des nomades… La situation de Sylvanès permet de retrouver l’essence même de cette musique au cœur de la nature, dans un environnement qui facilite la contemplation et l’écoute. Nous pouvons pratiquer avec les belles résonances que les salles de l’abbaye procure, mais aussi près de la rivière en contrebas… C’est chaque année un enchantement !

 

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Chorale à l’école : rencontre avec Anna Claire Golitzin

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Anna Claire Golitzin a quitté Londres où elle travaillait comme chanteuse indépendante pour s’installer en Aveyron. Musicienne intervenante rattachée au Conservatoire de l’Aveyron depuis quelques mois, elle poursuit le travail de transmission au cœur du projet « Chorale à l’école » porté par l’Abbaye de Sylvanès. Entre héritage familial et pédagogie passionnée, elle accompagne les enfants dans la découverte de leurs voix, avec une conviction profonde.  Rencontre en quelques lignes avec Anna Claire Golitzin.

Quel est votre premier souvenir musical et d’où vous vient cette passion pour la musique ?
Mes parents étaient musiciens et mes premiers souvenirs  remontent à l’enfance quand la musique résonnait en permanence dans la maison. Mon père jouait du piano et ma mère chantait en s’accompagnant à la guitare. Nous fréquentions régulièrement en famille l’église orthodoxe de notre village où le chant occupait une place très importante dans les offices. C’est là qu’est née ma passion pour le chant choral et mon envie de poursuivre des études dans ce domaine. Par la suite, j’ai intégré un master en histoire de la musique ancienne et chant renaissance à l’Université de York, en Angleterre, où j’ai pu me former auprès de grands chanteurs et approfondir ma pratique.

Comment êtes-vous arrivée dans l’aventure « Chorale à l’Ecole » ?
Mon installation en Aveyron était motivée par mon désir de transmettre la musique chorale issue des traditions slaves. Parallèlement, je souhaitais travailler avec des enfants et quand j’ai appris que le Conservatoire à Rayonnement Départemental de l’Aveyron recherchait un professeur pour assurer la continuité du projet « Chorale à l’école »,  j’ai postulé. Cette opportunité correspondait parfaitement à mes aspirations.

Comment se déroulent les ateliers dans les classes ?
J’interviens tous les quinze jours pendant 45 minutes dans chaque classe des 11 écoles participantes et auprès de 170 élèves.  Chaque classe est différente et c’est ce qui rend les ateliers intéressants. Les enfants ont des expériences très variées avec le chant. Certains chantent naturellement, tandis que d’autres ont plus de difficultés à reproduire une note ou à tenir une note accompagnée au piano. Mon rôle consiste à les accompagner progressivement par l’intermédiaire de chansons adaptées. C’est très satisfaisant de constater leurs progrès.

Selon vous, la musique à l’école est-elle indispensable ? Pourquoi ?
Oui, elle est indispensable ! C’est vraiment durant l’enfance qu’il faut initier cette pratique car pour avoir travaillé avec des adolescents, je me suis rendue compte que ceux qui n’avaient jamais chanté auparavant, étaient persuadés qu’ils n’en étaient pas capables. La musique ouvre quelque chose de très profond dans l’esprit de l’enfant et lui apporte beaucoup de bénéfices. Le chant aide d’ailleurs énormément à l’apprentissage des langues.

Si ce projet devait être associé à une couleur et à une émotion, lesquelles choisiriez-vous ?
Je choisirais la couleur rouge et pour l’émotion, le courage. C’est une notion que je répète souvent aux enfants. Je les encourage à oser chanter, à prendre confiance en eux. Par exemple, je peux mettre en avant un élève qui a bien chanté et inviter les autres à suivre son exemple avec davantage d’assurance. Le rouge symbolise aussi la passion. En tant que « performer », je vois à quel point il faut mettre la passion et la performance dans la musique et dans ce que l’on fait. C’est cette énergie et cette ferveur que j’essaie de transmettre aux enfants à travers le répertoire et le travail collectif.

À l’issue des ateliers dans les classes, une restitution finale sera présentée aux familles le mardi 16 juin à 14 h en l’abbatiale de Sylvanès !

Initié par l’Abbaye de Sylvanès, Centre culturel de rencontre, ce projet est mené en partenariat avec la Communauté de Communes Monts Rance et Rougier, le Conservatoire à Rayonnement Départemental de l’Aveyron, le Département de l’Aveyron et le soutien de l’Éducation nationale.

Frédéric Gindraux et Jean-Philippe Clerc : deux parcours, une passion

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Chaque été à Sylvanès, au cours de leur classe de maître de chant lyrique, deux figures suisses de la pédagogie vocale unissent leur passion pour accompagner des chanteurs professionnels dans leur cheminement artistique et humain. Rencontre…

Frédéric Gindraux et Jean-Philippe Clerc forment un binôme indissociable. Tous les deux nous éclairent sur leur vision de l’enseignement au sein de leur classe de maître, un espace d’apprentissage où le chant devient un chemin d’expression de soi.
Frédéric Gindraux débute son aventure musicale par l’apprentissage du piano. Adolescent, pour vaincre sa timidité, il intègre la chorale du lycée et très vite, le plaisir de chanter ne le quitte plus. Avec cette double formation de pianiste et de chanteur en poche, le ténor suisse mène de front une carrière de concertiste et de pédagogue. Il est aujourd’hui professeur de chant au Conservatoire de Paris et à la Haute École de Musique de Lausanne.
Pour Jean-Philippe Clerc, le piano s’impose dès l’enfance comme une évidence, un coup de cœur. Passionné par le travail avec les chanteurs, il choisit d’en faire son métier et de devenir pianiste chef de chant. Il enseigne actuellement à l’Opéra et à la Haute École de Musique de Lausanne.

Des maîtres inspirants
Tous deux ont croisé, sur leur chemin, des figures influentes. Frédéric Gindraux parle avec gratitude de ses maîtres, en particulier le grand Nicolaï Gedda ainsi que d’autres pédagogues comme David Jones ou encore Gary Magby, qui lui ont transmis un amour profond pour la voix. Jean-Philippe Clerc évoque quant à lui les professeurs qui ont marqué son parcours et auxquels il voue encore aujourd’hui, un profond respect. Leur approche pédagogique est le fruit de ces influences mais aussi d’une vision très personnelle de l’enseignement.

Une pédagogie alliant discipline et liberté
« Ce qui m’anime, c’est la volonté de comprendre comment fonctionne la personne en face de moi. Je cherche à faire émerger l’envie de dire quelque chose à travers la voix, à lever les blocages et aider chacun à mieux se connaître » explique Frédéric Gindraux.
Pour Jean-Philippe Clerc, c’est plutôt le lien entre le texte et la musique qui l’inspire et nourrit sa pédagogie. « J’aime explorer les intentions du compositeur et réussir à capter comment elles prennent forme dans l’interprétation vocale ».
Mais ce n’est pas tout, nos deux pédagogues s’accordent sur l’importance de la patience, de la discipline, de l’écoute et de la bienveillance, qualités que devrait avoir tout bon pédagogue. Ensemble, ils transmettent des outils permettant d’acquérir maîtrise et indépendance. Deux notions qui mènent selon eux à la liberté, indispensable aux chanteurs pour exprimer pleinement leur potentiel.

Sylvanès, une expérience humaine riche
Depuis 2019, leur présence à l’abbaye de Sylvanès est devenue un rendez-vous incontournable. Chaque année, ils y retrouvent des stagiaires venus de tous horizons pour une semaine de travail intense, de partage et de cohabitation artistique. Frédéric Gindraux souligne combien cette expérience est enrichissante. Jean-Philippe Clerc lui, insiste sur la force des liens tissés au fil des jours, dans un cadre privilégié et chaleureux, propice à l’écoute et la concentration.
Engagés dans d’autres projets pour la saison 2026, nous espérons les retrouver en 2027 parmi nos fidèles formateurs !

 

Rencontre avec le ténor Joseph II Bessala

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L’Abbaye de Sylvanès, dans sa quête d’accompagnement et d’encadrement des jeunes artistes d’ici et d’ailleurs, a récemment accueilli en résidence du 25 août au 8 septembre, Joseph II Bessala, ténor d’origine camerounaise. Cet artiste, dont la passion pour le chant a débuté fortuitement, a fait de ce séjour une étape clé de son parcours, visant à se perfectionner et à enrichir sa carrière. Issu d’un parcours littéraire et diplômé en arts graphiques, Joseph s’est dévoué à la musique après des victoires remarquées au sein de concours prestigieux, qui l’ont mené jusqu’au Conservatoire d’Angers. Sa venue à l’Abbaye s’inscrit dans le cadre du programme Odyssée de l’ACCR, un dispositif dédié aux professionnels de la culture étrangers. Rencontre avec un artiste engagé.

UN ARTISTE EN QUÊTE D’EXCELLENCE 

Durant son séjour, Joseph a travaillé sur un répertoire lyrique particulièrement exigeant, avec pour ambition de contribuer à l’essor de l’opéra dans son pays. « Je suis dans la dynamique de créer, moi aussi, de l’émulation autour de l’opéra au Cameroun : il y a déjà un travail qui se fait, mais à mon sens, ce n’est pas suffisant. C’est la raison pour laquelle je suis ici ». Joseph souhaite partager les connaissances acquises pour l’y faire grandir. C’est d’ailleurs ce projet qu’il a défendu en postulant à la résidence Odyssée.

Son travail à l’Abbaye a été guidé par le directeur de l’abbaye Michel Wolkowitski que Joseph décrit comme un « très bon pédagogue de la voix et fin psychologue », capable d’identifier ses points faibles et de lui fournir les outils techniques nécessaires pour les surmonter. Leurs séances de travail, axées sur la technique vocale, la gestion de l’énergie, la détente corporelle par la méthode Alexander ont été une révélation pour l’artiste. « Je suis de nature très énergique et grâce à ce travail, j’ai réussi à canaliser mon énergie, nécessaire afin d’éviter un éventuel accident vocal. » Pour Joseph, ces conseils lui sont précieux et lui permettent de mesurer l’impact qu’une mauvaise gestion de soi peut entraîner.

Joseph II Bessala

LA PASSION DU BEL CANTO

Profondément attaché au bel canto, ou « beau chant », Joseph exprime sa joie d’être sur scène. « C’est tout à fait le bonheur d’être devant la scène, le grand théâtre, l’opéra » s’enthousiasme-t-il. Il explique que la voix lyrique est un mélange de talent naturel et de travail rigoureux.«Il faut avoir déjà des dispositions naturelles pour pouvoir y parvenir » précise-t-il, tout en ajoutant que « le talent seul ne suffit pas. Il faut ajouter à cela, la technique. »

Bien que son parcours académique soit plus court que celui d’autres artistes, Joseph a eu le privilège de recevoir un enseignement d’une grande qualité qui l’a fait « considérablement progresser. » Pour lui, les techniques enseignées facilitent l’apprentissage et favorise la sérénité, un outil essentiel dont a besoin tout chanteur.

Les chanteurs de la classe de maître

UNE AVENTURE HUMAINE ET MUSICALE 

Pour Joseph, cette résidence fut une expérience fondatrice, tant sur le plan technique, qu’artistique où il a pu enrichir son répertoire avec des airs exigeants, dont un appris dans un délai record. Cette aventure s’est distinguée par de belles rencontres artistiques, mais également par une profonde richesse humaine : « J’ai découvert la force d’un collectif soudé par la musique, dans un cadre ou rigueur et convivialité s’alliaient harmonieusement ».

Joseph lors du récital public du stage chant et interprétation

Joseph et Michel Wolkowitski

Joseph ressort nourri de cette expérience et affirme être désormais prêt à entamer une carrière de ténor lyrique. Il affirme que cette expérience l’encourage à poursuivre son apprentissage avec discipline et passion, et à envisager son avenir artistique avec une confiance renforcée. Il repart de Sylvanès résolu à poursuivre son projet : faire rayonner l’opéra dans son Cameroun natal !

 

Propos recueillis et rédigés par Fatoumata Sidibe, stagiaire au service communication  

Rencontre inspirante avec Solange Dramani

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L’Abbaye de Sylvanès, accueille régulièrement des artistes en résidence, en quête de perfectionnement et d’inspiration. Parmi eux, Solange Dramani, chanteuse lyrique, originaire du Togo et fondatrice de Solange Music Prod, a posé ses valises pour une résidence, dans le cadre du programme Odyssée, mis en place par l’ACCR (Association des Centres culturels de rencontre). Lors de sa venue à l’abbaye du 8 au 21 juillet, nous l’avons rencontrée pour en savoir plus sur son parcours, ses aspirations, et ce qui la relie si profondément à cet endroit singulier.

Le programme Odyssée s’adresse aux artistes, chercheurs et professionnels de la culture étrangers ne résidant pas en France. Il a pour objectif de permettre à ces artistes de développer des projets au sein des Centres culturels de rencontre français, connaître les codes du monde de la culture et ainsi approfondir leurs connaissances du milieu. Pour Solange, un artiste doit toujours être en quête de perfectionnement : « En tant qu’artiste, il faut souvent se retirer pour travailler, se remettre à niveau et c’est pour cela que je suis ici ; pour apprendre à mieux chanter, apprendre de nouvelles choses et aussi faire des recherches sur les chants sacrés. Je suis chanteuse lyrique, mais j’ai une attirance particulière pour ce style musical. » Cette quête de perfectionnement vocal se double d’une exploration spirituelle, un fil rouge évident dans son travail.

Sa venue en France, une première pour elle, a été préparée avec soin. « Malgré une arrivée assez mouvementée, c’est une réelle joie pour moi d’être enfin ici ! Je suis tellement reconnaissante envers l’ACCR de m’offrir ce temps de recherche et d’inspiration à l’abbaye de Sylvanès, car il y a vraiment une cohérence entre ma démarche artistique et l’esprit des lieux ».

Solange Dramani

L’ABBAYE :  UN ÉCRIN PROPICE À LA CONCENTRATION 

Dès son arrivée à l’Abbaye, Solange a ressenti une connexion profonde avec les lieux. Pour elle, chaque endroit, chaque espace de ce lieu lui transmettait quelque chose de fort : « Je me suis sentie bien et au-delà de ça, j’ai été marquée par l’aspect spirituel du lieu. Cela aide grandement dans l’apprentissage de soi, car je suis en lien avec moi-même et le divin, ce qui m’inspire beaucoup. Chaque espace de l’abbaye favorise le fait de pouvoir se poser, travailler, réfléchir, prendre des décisions, penser à sa vie. »

Dans ce véritable havre de paix propice à l’introspection et à l’inspiration artistique, ses journées sont intenses et structurées : « Je travaille deux fois dans la journée, guidée par Michel Wolkowitski, directeur de l’abbaye, également coach et professeur de technique vocale. Après avoir participé au stage Chanter en famille, je participe cette semaine à l’atelier choral-production avec Bernard Tétu. Lorsque le temps me le permet, je travaille également sur d’autres projets personnels. » Un programme chargé qui témoigne de sa soif d’apprendre, de créer et d’approfondir un travail de recherche et de transmission autour du chant sacré et du répertoire lyrique. Participer à ces stages est une source d’enrichissement précieuse pour Solange : « Je suis convaincue que tous ces apprentissages de technique vocale et d’interprétation auprès de pédagogues renommés seront bénéfiques pour la suite de ma carrière. »

Solange lors de son récital

 

UNE RÉSIDENCE MUSICALE INSPIRANTE

Dans la continuité d’un travail rigoureux et d’une recherche spirituelle, cette résidence a permis à Solange Dramani de côtoyer des choristes amateurs passionnés, mais aussi des solistes professionnels. Elle a eu la chance de partager la scène avec eux le 20 juillet dans le cadre du 48e Festival et d’ interpréter un audacieux programme de musique sacrée de Félix Mendelssohn devant un public comblé.

Lors du concert du 20 juillet

sous la direction de Bernard Tétu

Au-delà de l’apprentissage musical, cette résidence a été pour la chanteuse togolaise une vraie ouverture culturelle : « J’ai découvert la France, ses paysages, son patrimoine spirituel et musical ».

Profondément nourrie et reconnaissante pour cette aventure, Solange a exprimé sa gratitude pour la confiance, l’humanité et la lumière qu’elle y a trouvées. Elle repart grandie, espérant que cette expérience marquera le début d’un nouveau souffle, avec d’autres collaborations à venir, et nul doute que sa voix continuera de nous enchanter et de nous inspirer.

Propos recueillis et rédigés par Fatoumata Sidibe, stagiaire au service communication 

Mathieu Fantin : l’apprentissage par l’éveil musical

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Mathieu Fantin est un musicien spécialisé dans les instruments anciens, principalement médiévaux. Il joue dans plusieurs groupes mêlant musiques actuelles et rock celtique médiéval, avec des instruments d’époque comme la vielle à roue, le nyckelharpa ainsi que diverses cornemuses. Passionné de découverte et de transmission, il intervient régulièrement en milieu scolaire et en crèche pour initier les enfants aux sonorités anciennes et peu courantes, mêlant éveil musical et contes inspirés des légendes médiévales. Son travail avec les jeunes nourrit sa démarche artistique et lui procure une grande satisfaction, notamment lorsqu’il voit l’intérêt et la curiosité des enfants pour ces musiques d’un autre temps.

La musique comme passerelle

Pour Mathieu Fantin, chaque intervention est une invitation à rêver. Avec ses instruments, il tisse un lien unique entre musique, conte et imaginaire. Ses ateliers, souvent ponctués d’histoires médiévales ou de légendes réinventées, deviennent de véritables voyages sensoriels pour les enfants.
« Ce que je veux, c’est leur transmettre de la découverte, titiller leur imaginaire avec des histoires, des contes et des légendes. Qu’ils sortent un peu de l’ordinaire avec quelque chose qu’ils ne voient pas tous les jours.»

Cette approche narrative transforme l’éveil musical en aventure. Les enfants ne sont pas seulement spectateurs, ils deviennent explorateurs d’un monde sonore aux textures nouvelles. Ils écoutent, participent, posent des questions. Et c’est exactement ce que Mathieu recherche. Pour lui, l’important n’est pas que tout soit retenu, mais que quelque chose résonne. « Provoquer quelque chose en eux et que cela reste, peu importe la forme que ça prendra et même s’ils l’oublient par la suite, ce n’est pas important : ils auront vu et entendu quelque chose. »

Mathieu Fantin avec le nyckelharpa

Créer du lien, décloisonner les mondes

Mathieu n’enferme pas ses interventions dans un carcan pédagogique. Bien au contraire, il joue sur les contrastes, les ruptures, les différences. Entre les sonorités d’une musique médiévale et la douceur d’une mélodie ancienne, il travaille au croisement des sensations, des émotions et de la mémoire. Ces ateliers sont un véritable espace d’expérimentation pour Mathieu, ce qui lui permet d’affiner sa pratique, tester de nouvelles idées, enrichir son univers musical.
Il adapte en permanence ses formats, ses récits, ses interventions. Il intègre parfois des instruments venus d’ailleurs, des objets sonores insolites, des textures inattendues. Son cadre de travail évolue, s’élargit, sans jamais perdre son cap.
« Quand je vois qu’il y a quelque chose qui fonctionne, je l’alimente, je l’améliore. Mais je ne m’interdis pas d’évoluer et de partir dans vers d’autres horizons. Je reste principalement dans l’instrumentarium médiéval, car l’objectif est de toujours leur faire découvrir des instruments qu’ils n’ont pas l’habitude de voir ni d’entendre. »

Ce travail de fond, patient et discret, finit parfois par porter des fruits inattendus. Comme ce jour où il reçoit un mail d’un jeune réalisateur de films. Un ancien élève, aujourd’hui adulte, qui se souvient encore de l’intervention de Mathieu en primaire et lui propose de composer la musique de son court-métrage. Selon Mathieu, ce sont ces moments-là qui lui font prendre conscience de la valeur de son travail, de ce qu’il transmet.

Propos recueillis et article rédigé par Fatoumata Sidibe, stagiaire au service communication

Fabien Bringuier : l’humain au cœur du vivant

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Fabien Bringuier est animateur et accompagnateur au sein de l’association d’éducation à l’environnement Millefeuilles. Créée en 2004, dans le département de l’Hérault, Millefeuilles a pour mission de sensibiliser un large public à la richesse et à la fragilité de la nature en développant des projets de vulgarisation et de valorisation de l’environnement. Récemment, à l’abbaye, Fabien a animé des ateliers autour des espèces mal-aimées pour des élèves de 5e du collège André Chamson du Vigan (Gard).

Un engagement pour la pédagogie et la nature
La démarche éducative de Fabien Bringuier allie pédagogie et passion dans le but de contribuer à l’évolution des mentalités, de susciter une prise de conscience dès le plus le jeune âge et de tendre vers une harmonisation de l’humain avec le vivant.
Auprès des écoles, des collèges, des familles, des curieux et même des plus sceptiques, il multiplie les actions de médiation et de formation sous forme d’ateliers ludiques où il adapte son contenu au public qui l’entoure. Ce qui l’anime : apprendre à mieux connaître pour mieux cohabiter. « Pour apprendre à dépasser ses peurs face à ces espèces, il faut les connaître et comprendre leur rôle dans l’écosystème. Encourager chacun à adopter un regard plus respectueux et plus curieux envers la nature contribue à la préservation de la biodiversité et à la construction d’un avenir durable ».
Au-delà de tout cela, Fabien Bringuier espère transmettre une manière plus consciente de se représenter le vivant.

Un atelier interactif pour valoriser les espèces mal-aimées
Les élèves commencent par lister les espèces qu’ils craignent ou qui les dégoûtent, généralement les araignées, frelons, serpents, scorpions, crapauds et autres scolopendres ! Ils votent pour l’espèce qu’ils redoutent le plus et explorent une exposition de vingt panneaux où chacun représente une espèce en détails. Par petits groupes, ils en choisissent une et la présentent aux autres sous forme d’exposé : où vit-elle, de quoi se nourrit-elle, quels sont les risques réels pour l’humain etc. Ces moments d’échanges permettent aux apprenants de dédramatiser les peurs – souvent démesurées – vis-à-vis de ces bestioles mais aussi d’éviter le recours à des gestes cruels, voire irréversibles envers elles.  Fabien propose ensuite quelques simulations de situations concrètes, comme « vous ouvrez votre garage et vous trouvez nez à nez avec un serpent » ou « lors d’un déjeuner de famille, votre oncle se fait piquer par un frelon » pour évaluer et éventuellement corriger les comportements.
Ces ateliers se concluent par un quiz collectif qui consolide les apprentissages dans la bonne humeur et la plupart du temps, les élèves repartent avec moins d’appréhensions.

Cet atelier sera également proposé aux familles lors de la 14e édition de « Forêt en Fête » qui se tiendra du 13 au 15 juin en partenariat avec l’abbaye de Sylvanès. Ce rendez-vous festif mêlant arts vivants, cinéma, balades naturalistes, grimpes d’arbres, conférence et débats promet de chaleureux moments de rencontres et de détente au rythme de la forêt sur le magnifique site arboré des anciens Bains de Sylvanès.

 

Helena Bregar, au cœur des traditions slaves

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Chanteuse polono-slovène et cheffe de chœur, la pétillante Helena Bregar encadrera un stage de chants slaves à l’abbaye de Sylvanès, du 18 au 22 août 2025. Ce nouveau stage vient étoffer l’offre artistique du Centre culturel de rencontre de l’abbaye, déjà bien riche et variée. Helena nous en dit plus sur son parcours, le contenu de ce stage et nous invite à découvrir ce fascinant répertoire de chants et danses de tradition slave !

Peux-tu nous présenter ton parcours en quelques lignes ?
Je suis née dans la capitale de la Slovénie, Ljubljana, la ville de l’amour (ljubiti – aimer), d’une mère polonaise et d’un père slovène. J’ai passé ma jeunesse principalement en Pologne, où j’ai obtenu un Master d’Art lyrique (chant, théâtre, opéra). J’ai ensuite déménagé en France pour obtenir le Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien en chant baroque à Paris, et étudier la musicologie à la Sorbonne, puis la direction de chœur au CRR de Nantes. Je chante en soliste et en choriste avec de nombreuses formations. En 2022, j’ai fondé l’ensemble La Sensible, qui englobe musiques anciennes, traditionnelles et improvisées. Depuis plusieurs années, j’organise de nombreux stages de chant et de danse traditionnelle, d’improvisation vocale, ainsi que de musiques et danses historiques.

Quel sera le thème de ton stage de cet été à Sylvanès ? Quel répertoire enseigneras-tu ?
Le nom du stage est Chants des Champs, car les chants enseignés viennent des traditions rurales, des villages, des campagnes. Le sous-titre De la Baltique à l’Adriatique indique que le répertoire sera vaste : de la Russie jusqu’à la Macédoine, en passant par la Pologne et la Slovaquie. Nous allons découvrir les points qui lient et différencient ces cultures : histoire, religions, coutumes, alphabets, et comment tout cela influence la musique et le chant.

Tu vas initier tes stagiaires au cri-chant : comment le définis-tu ? quelles sont ses spécificités ?
Le cri-chant est une technique vocale dans laquelle on pousse la voix de poitrine – forte et pleine – jusqu’aux notes plus aiguës, comme lorsqu’on appelle quelqu’un au loin. Elle est souvent perçue comme une libération de sa voix naturelle : elle donne une sensation de puissance et d’ancrage.

A qui s’adresse ce stage ? faut il des pré-requis ?
Il vaut mieux être habitué à chanter à plusieurs voix, mais toute personne curieuse de découvrir les répertoires slaves, leur vocalité, leurs styles et leurs langues est la bienvenue ! L’apprentissage se fait essentiellement de bouche à oreille, même si je prépare les partitions pour certains chants.

Comment intègres-tu les danses traditionnelles dans ton enseignement et ont-elles une importance dans la compréhension de la musique slave ?
Les danses slaves diffèrent beaucoup les unes des autres. Celles de Pologne ou d’Ukraine se font souvent en couple, avec de nombreuses variations et jeux qui permettent de bien connaître son partenaire ! Elles sont une excellente occasion pour développer sa réactivité, sa créativité, mais aussi pour s’amuser et rire. Celles des Balkans se dansent souvent en ligne, et offrent un véritable festival de pas et de rythmes – souvent irréguliers.
Ces danses font ressentir les rythmes, les appuis, les caractères des musiques. Il existe aussi des chants à danser, qui combinent les deux à la fois – ce qui demande coordination et présence !

Comment as-tu découvert Sylvanès ?
J’ai chanté et dansé à Sylvanès en août 2024 avec Les Musiciens de Saint-Julien, dans leur programme Beauté barbare, où les compositions de Georg Philipp Telemann s’entremêlent avec les chants traditionnels slaves et les suites de danses moraves. Ce lieu exceptionnel m’est immédiatement devenu cher.

Helena Bregar dans « Beauté barbare » avec les Musiciens de Saint-Julien – 4 août 2024 – Festival de l’Abbaye de Sylvanès

Si tu avais la possibilité de te téléporter dans le temps, quel maître ou compositeur aurais tu aimé rencontrer ? Pourquoi ?
Ce dont je rêverais, c’est de survoler les plaines et les montagnes, les maisons et les places de marché, pour écouter le peuple chanter et danser : en travaillant la semaine, en s’amusant le dimanche. Les entendre parler, plaisanter, entonner, appeler…
Entendre leurs voix, leurs timbres, leur sens du rythme, leur musicalité et leur sensibilité : ce serait plus précieux que de rencontrer un quelconque compositeur ayant laissé une trace écrite.
Éphémère, la voix de maintes générations de paysans est enracinée dans nos âmes. Elle est notre patrimoine.

 

EN SAVOIR PLUS : 
Site internet de Helena Bregar

Stage du 18 au 22 août 2025 à l’abbaye 

Rencontre avec la compositrice et chanteuse Cécile Veyrat

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Rencontre avec Cécile Veyrat, artiste et compositrice aux commandes du projet La Belle et le Loup, opéra pop jeune public qui sera donné à Saint-Affrique le mercredi 30 avril 2025 à 20h30. 

Peux-tu te présenter pour ceux qui ne te connaissent pas ?
Je suis musicienne sous plusieurs facettes : pianiste, chanteuse, accordéoniste, compositrice et cheffe de chœur. Mon parcours est varié, j’exerce plusieurs métiers en lien avec la musique qui me permettent d’en vivre pleinement. Ma passion pour la musique est née très tôt, j’ai commencé le piano à sept ans et j’ai tout de suite su que je voulais en faire mon métier. Au départ, je m’orientais vers l’enseignement, mais j’ai finalement pris le chemin du spectacle.

 

Pourquoi composes-tu pour le jeune public ?
J’ai toujours travaillé avec des enfants, j’ai débuté en enseignant le piano et la transmission a toujours été importante pour moi. Le hasard des rencontres a aussi joué un rôle clé dans mon choix artistique. Par exemple, avec la conteuse Aimée de la Salle, j’ai travaillé sur des spectacles pour le très jeune public. En ce qui concerne le spectacle avec chœur d’enfants ; on m’a proposé de créer un spectacle chanté avec des enfants en collaboration avec la Scène de musiques actuelles (Smac Paloma) à Nîmes et je me suis dit : « Pourquoi ne pas créer un vrai spectacle où les enfants pourraient chanter sur scène avec nous (les artistes) pendant le spectacle ? »
C’est ainsi que je suis entrée dans l’univers du spectacle musical pour le jeune public.

 

2025  : c’est la troisième édition de La Belle et le Loup, après une année de pause. Est-ce que la motivation est toujours intacte ?
Oui, totalement ! Même après une pause, c’est comme retrouver un ami. Replonger dans cet univers, redécouvrir les chansons que j’ai moi-même composées, retrouver toute l’équipe, c’est un vrai bonheur. Ce projet est avant tout une aventure artistique exceptionnelle, et l’envie reste intacte.

 

Que peux-tu nous dire sur l’univers qui a inspiré La Belle et le Loup ?
C’est un spectacle qui s’adresse autant aux enfants qu’aux adultes. Marie-Chloé Pujol-Mohatta a écrit un texte qui permet une double lecture : d’abord un conte magique et féerique inspiré de La Belle et la Bête, et ensuite un message plus profond sur notre relation à la nature. Le spectacle aborde des thématiques actuelles comme le climat et l’importance de protéger notre environnement.

Comment se passent les ateliers avec les élèves de l’ensemble scolaire Saint-Michel de Belmont-sur-Rance cette année ?
Les ateliers se passent très bien ! Les enfants de Belmont chantent remarquablement bien. On sent qu’ils sont habitués à des projets musicaux, notamment grâce aux projets « l’École de l’Oralité » et « Chorale à l’École » portés par l’Abbaye de Sylvanès pendant quatre années consécutives dans l’établissement. Leur engagement et leurs belles voix rendent le projet encore plus enthousiasmant.
Cette année est particulièrement importante car nous enregistrons l’album du spectacle. Les musiciens ont déjà posé leurs parties instrumentales, la plupart des chanteurs professionnels ont enregistré leurs voix et nous programmons d’enregistrer les chœurs en avril avec les enfants de Belmont-sur-Rance. Cet enregistrement va donner une nouvelle dimension au projet, en prolongeant son existence au-delà des différentes représentations !

Que souhaites-tu transmettre aux enfants à travers ce projet ?
Je veux avant tout qu’ils prennent du plaisir à chanter. Chanter, c’est à la fois un plaisir et un bienfait. Bien sûr, cela demande du travail et de la concentration, mais le résultat final – un spectacle réalisé ensemble – vaut largement le coup ! J’aimerais ainsi leur donner déjà le goût du spectacle et du chant.

 

En mai 2025, tu seras aussi en résidence à Sylvanès pour un tout autre projet. Peux-tu nous en parler ?
En effet, je serai en résidence d’écriture et de composition musicale à l’abbaye pour mon prochain spectacle intitulé « Eurydice ». Avec ce projet, je reviens au spectacle pour adultes et au « seule en scène ».  J’y allie le conte traditionnel (le mythe d’Orphée) et la chanson pour donner une voix à Eurydice, cette femme singulière, moins entendue que celle de son compagnon légendaire… ce sera  un spectacle à la fois poétique et philosophique !

 

Et pour terminer, une petite question bonus : actuellement, quelle collaboration de rêve te ferait sauter de joie ?
Ahhhhh (rires)… alors, il y a deux artistes de musiques actuelles dont j’apprécie le talent et que j’admire beaucoup. Ce sont les chanteuses Camille et Clara Ysé. J’adore leurs voix et leurs univers respectifs ! Alors, collaborer avec elles, ce serait un rêve oui !

Retrouvez Cécile et l’équipe artistique de « La Belle et le Loup » le mercredi 30 avril à Saint-Affrique pour deux représentations
une à 14h30 pour les scolaires et une à 20h30 pour le tout public.

EN SAVOIR PLUS SUR LE SPECTACLE

BILLETTERIE DU SPECTACLE

Elène Golgevit : la musique comme une évidence

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Elène Golgevit enseigne actuellement le chant au CNSMD de Paris. Elle-même chanteuse, elle a été et demeure la coach vocal de quelques stars du lyrique d’aujourd’hui et de demain. Sollicitée partout en France comme à l’étranger, elle encadre depuis 2010 à Sylvanès des classes de maître à destination de chanteurs professionnels. Rencontre…

De quand date votre passion pour la musique ?
Je suis tombée dedans petite. D’abord avec mes parents (une mère pianiste et un père violoniste – tous deux chefs de chœurs) mais aussi mes grands-parents paternels chez qui la musique populaire et savante était très présente. Ils aimaient le chant au même titre que la poésie, la littérature, le théâtre, cela faisait partie de leur quotidien. À plusieurs moments, j’ai voulu prendre pleins d’autres directions professionnelles et j’ai toujours été rattrapée par la musique : elle s’est imposée à moi comme une évidence. C’était vital, comme inscrit dans mes gènes.

Où vous êtes-vous formée ?
Au conservatoire de Montpellier en premier lieu, puis je suis partie en Italie me perfectionner auprès du maestro Roberto Caverni. Ce fut une rencontre décisive pour moi : j’ai découvert ce lien fort à la culture opératique. Là-bas, l’image du maçon qui chante les airs d’opéras, ce n’est pas une légende. Je l’ai vécu… l’opéra c’est dans leur ADN. J’ai réalisé alors que ce n’était pas un monde inaccessible et j’ai choisi d’y faire mon parcours de vie, épaulée par Roberto puis d’autres pédagogues. J’ai bénéficié du soutien majeur du phoniatre Benoît Amy de la Bretèque qui m’a permis d’allier à la fois un savoir de la tradition et de la science.

Quelle est pour vous la principale qualité pour être un bon coach vocal ?
Être à l’écoute de l’artiste et de tous les écueils qu’il peut rencontrer, guider avec exigence et humilité.

La promotion « Sylvanès 2024 » de la classe de maître

Nombreux sont les jeunes talents que vous avez coachés… Quel est votre regard sur leurs carrières, les suivez-vous toujours?
C’est très gentil à vous, je les suis toujours en effet, de plus ou moins près selon leurs demandes. Je suis très admirative des singularités de leurs parcours, des sacrifices qu’ils font pour faire ce métier impitoyable. J’ai un grand respect et une grande tendresse pour eux.

Quel rapport avez-vous avec Sylvanès ?
Il est unique. C’est un lieu calme et puissant qui permet de s’immerger totalement, se ressourcer avec le lieu et la nature, être ainsi dans un cocon de travail bienveillant pour aller au plus loin de son exigence. Les chanteurs aiment venir ici, c’est une bulle d’oxygène au milieu de leurs carrières tellement mouvementées par nature. Ces stages sont une occasion de faire le point sur l’évolution de leur instrument-voix et expérimenter de nouveaux rôles. Le lieu épouse totalement cette intimité tout en étant ouvert sur la nature, comme l’artiste l’est sur scène.

Elène Golgevit et sa pianiste Charlotte Bonneu lors du récital « Verdi, Puccini & Intermezzi » du 26 juillet 2024 au Festival

Quel est votre répertoire d’opéra de prédilection ?
Il est vrai que j’ai une sensibilité pour le répertoire d’opéra italien du XIXe siècle comme vous l’avez entendu cet été dans le récital que nous avons donné avec Charlotte Bonneu dans le cadre du festival de l’abbaye. Mais je suis très sensible à George Benjamin, Kaija Saariaho tout comme à Strauss, Massenet… Au delà de l’opéra, je suis gourmande de musique de manière générale sous de nombreuses formes musicales, vocales ou non, de Bach à Mahler, Britten… et nous avons la grande chance en ce moment de découvrir tant de compositrices méconnues.

 

Interview réalisé avec la collaboration de Rachel Gonzales, bénévole au service communication du Festival 2024

 

 

En savoir plus sur la classe de maître 2025 à Sylvanès

 

CE QU’ELLES DISENT DE LEUR PROFESSEUR… 

Elène est un soleil : elle réchauffe les cœurs et permet de faire rayonner notre voix et notre corps tout entier, elle sait mettre en lumière nos voix et nos personnalités artistiques. Elle nous guide dans le chemin de la carrière, elle sait être aussi la tête froide quand le cœur est trop chaud… Sans elle, mon parcours aurait été complètement différent.
Je suis pleine de gratitude pour elle.
Marine Chagnon

Cela fait 13 ans que je travaille avec Elène et je continue toujours d’apprendre à ses côtés. Elle est à l’écoute de chacun de ses élèves et sait s’y adapter. Parce qu’elle a une boîte à outils sans fond pour régler chaque problème qui pourrait se poser, je l’ai longtemps appelée « ma baguette magique ».
C’est aussi une immense pédagogue, une musicienne et une personne incroyable, d’une curiosité et d’une générosité sans limite qui évolue dans sa pratique et dans sa pédagogie encore et toujours. Pour toutes ces raisons, je me suis rendue compte qu’elle était en fait « ma fée » !
Eva Zaïcik

Elène Golgevit est un modèle de bienveillance, d’écoute et de pédagogie. Toujours disponible, dans le respect de l’artiste et de l’élève, elle parvient à instaurer une relation de confiance et à créer un environnement de travail unique pour des résultats toujours concrets. C’est une professeur rare et exceptionnelle.
Anthea Pichanick

Parmi les élèves de la classe de maître 2023 : Marine Chagnon, Eva Zaïcik et Anthea Pichanick